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乔治·修拉出生于1859年的巴黎，他比保罗·塞尚（Pual Cezanne,1839-1906）晚二十年，他的艺术活动大约从1880年，即印象主义进入危机阶段才开始的。因此，修拉属于后印象主义画家这一代。

圣维克多山》1904—1906年，油画，73×91厘米，费城美术馆藏

塞尚一生画得最多的，可能要算是风景画了。1882年以后，塞尚隐居于故乡附近的小镇，专心地画起当地的风景。他深深地为圣维克多山的奇异山形及其周围的壮观景色所吸引。年复一年，他一再重复地描绘这座从大地上露出的巨大岩石，分析它那时隐时现、复杂细微的体块和结构。在他的一生中，他为此山所画的“肖像”，竟有七、八十幅之多。

这幅藏于费城美术馆的《圣维克多山》，是塞尚最后的一幅描绘这座山的画。我们看见，在一片没有人迹的广阔天地间，雄伟的大山似乎从明朗清澈的大气中升起；它那坚实的、凹凸起伏的身形映现的闪烁的光影之中。全画气势庄严、崇高，略带忧郁，反映了塞尚深沉的精神世界。在这幅画中，每一个体块和造型都被处理得极为严谨，使人联想到他静物画中的一个个苹果的描绘。然而，塞尚风景画色彩的丰富多变，却是其静物画所难以比拟的。在这幅风景画中，他以朴实有序的笔触，表现出物象的细微色差。虽然画中颜色种类不多，但每一种色都有着丰富的色阶变化。那浓重而沉着绿色，衬托出不同明度与纯度的土黄、土红和蓝色，使整个画面恰似一首和谐的色彩交响乐。同时，那无数的笔触，被敏感而理性地放置在画面上，成为厚重而富于肌理变化的色块。笔触的种种走势、排列、连接、转换和交织，构成了空间，也产生结构，形成对比和谐的秩序。面对这幅画，我们可感到色块、笔触、线条等抽象的视觉要素，从客观景物的图像中漂浮出来，在画中形成一种新的现实。而这种“新现实”的意味，正是塞尚绘画艺术的核心!

拉 大碗岛的星期日下午 1884-85

这个是大碗岛星期日的下午，这个是光的结构间达成一个统一。这个作品里边主要是采取了一种非常严格表现阳光下的景物和人物的色彩变化，它的草是什么样的，暗部的草是什么颜色、亮部的草是什么颜色，由于他过于的严格，所以不太生动，不像印象派那样生动了。

这幅“大碗岛的星期日”整整花了修拉一年工夫来点他的圆点。当这幅画在第八次印象派画展上出现时，立刻引起社会的反应，攻击和赞扬之声同时袭来，有的撰文称它是"新风格"的展现，有的骂他是"带有稚气和学究气的离奇结合"。总之，这种新鲜画法实质上是当时哲学上实证论对艺术实践的危害作用。“大碗岛上的星期日下午”描写的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的日子，游人们在阳光下聚集在河滨的树林间休息。有的散步，有的斜卧在草地上，有的在河边垂钓。前景上一大块暗绿色调表示阴影，中间夹着一块**调子的亮部，显现出午后的强烈的阳光，草地为黄绿色。阳光透过了树林，而投射在草地上的阴影，被色彩强调得界限分明。赤色、白色的衣服、阳伞和草地都现出一种好象散发蒸气一般的**。色点彼此交错呼应，给人以一种装饰地毯的效果。画上的人物也画得很可笑，一个个看不清面孔和五官，连轮廓本身也都被小圆点弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影绰绰的。 此画的整个创作过程约分四个步骤：以素描布置明暗对比；以色彩写生；以写生为基础组织背景；以色点完成正稿。

在“大碗岛的星期日”之后，已经不可能再举行印象派画家的作品展览会了；大家都感觉到：一种新事物诞生了。这种新事物人们可以接受或者反对，但是，在艺术风格的进一步演变中，不考虑它是不行的。至于修拉本人，他确信：在“大碗岛的星期日”一画之后，他 自己的绘画方法已经彻底建立起来，剩下的事就是希望自己的作品能够使自己满意。担心一种方法会有损于或者会阉割掉艺术家感觉的真实性，这是修拉所不曾考虑到的。

修拉的那些多人物的大幅油画，通常是在画室里画的，有时甚至是晚上画的。他的色彩调配的理论设计，精确到使他认为可以不必考虑人工照明对于人的色彩感觉所造成的种种变化。许多人惊佩这种设计才能，他们把这种才能看成是一种智力强大的标志；可这也是艺术家要丧失感觉的标志。于是，修拉走出了画室，到海边去写生：1885年去格兰康，1886年去翁弗勒，1888年去贝辛港，1889年去勒克罗图瓦，1890年去格拉弗林。在1885-1890年间修拉的风景画都是在外光下完成的，他的观察方法是别具一格的。他是追求强烈的感觉的艺术家，但他对这种感觉进行了整理并且理性地给以加工。他的这种感觉使他的作品保持了生命和力量。在1885-1890年间完成的这些风景画上，修拉取得了自己感觉与理论的平衡。因此，这些风景画是艺术家的最佳代表作，他的天才在这些风景画上的表现，要比在那些构图性作品上表现得更加充分，如：“格拉弗林的运河”。

拉、塞尚和结构语言

R.H.维伦斯基在《现代法国画家》一书中把反对19世纪80年代法国印象主义绘画的潮流相当简单地描述为一场广泛的复兴古典运动。根据这种论点，一些画家，特别是雷诺阿、修拉和塞尚回到了法国古典传统，并且强调绘画结构中较为持久的建筑因素，从而表达了他们对自然主义精神性的不满，而这种精确性正是印象派纲领的基础。对所谓“印象主义危机”的这番解释有一定意义，但不够清楚，因为有些后印象主义画家在重新建立传统绘画设计和绘画结构基本原则的同时，也努力保持自然主义。正如我们在第一章中看到的，雷诺阿就这样做了（图18），他把人像放得很大，把风格拓宽，创造出的作品既带有罗可可绘画中法国15世纪乡村节日的喜庆色彩又令人想起源于拉斐尔的古典传统。乔治·修拉常常打着“注重科学”的幌子向自然主义精神表示敬意，保罗·塞尚则是借助印象主义的绚丽色彩完成最果敢的形式创新，并赋予这些色彩他自己对自然清新生动的感受。

修拉31岁去世，只留下六幅主要油画，一批海景、数不清的油画草稿和相当大一批秀美的素描。但是，即使修拉只画过《大碗岛》这一幅画，他仍然是现代最杰出的画家之一。修拉去世后，毕沙罗在给他的儿子吕西安的信中写道：“我相信你是对的，点彩法已经结束，但我认为它将来会对艺术产生极其重大的影响。修拉的确作了很有意义的补充。”修拉最主要的贡献是，他重新激发了人们对绘画结构和构图的兴趣，而这类基本形式问题正是人们认为印象派画家们忽略的。修拉尝试着开拓色彩的彩用途，不仅将其用于描绘，而且用于对精确形体的塑造，因此他的艺术成了连接印象主义和塞尚的伟大创新的桥梁。修拉对平板的装饰图案的喜爱、他的富有喜剧色彩的夸张，他的杂要剧场和马戏班每题也使他与图鲁斯劳莱克相连，关于后者的情况你们会在下一章中谈到。

保罗·塞尚

对物体立体感的新兴趣以及对大自然较为恒久的方面和形式方面的深切关注，更突出地体现在保罗·塞尚（1839－1906）具有深刻影响的革命绘画中。鉴于塞尚的探索对20世纪产生的影响，人们把他称为“现代艺术之父”，他的确当之无愧。塞尚是19世纪的主要画家之一，他是一位奇才，一生中不断创新，在1950年之后的时期里，他与马奈、莫奈、高理我和非常有限的其他几位画家齐名。有人把他与中世纪晚期的大师乔托相比，后者创立的理想现实主义在文艺复兴和巴罗克绘画中达到高峰，他魔术般的幻觉手法对西方艺术的垄断直到本书中探讨的现代时期方告结束。如果类比是可行的、能说明问题的话，即使修拉与塞尚相比也多少有些逊色。修拉与塞尚同样敏感，在形式上同样有突破，但修拉或许不如塞尚那样才华横溢，其影响则肯定要小得多。修拉的作品虽然具有装饰性平面感，但同传统幻觉技法的对立并不十分尖锐，因此正好构成传统技法与塞尚激进绘画手法之间的过渡。

乔托调和了现实与理想，复兴了被弃置千年的古典艺术标则；塞尚则奋斗终生，创造了一种明朗沉静的绘画。为了打破传统的平衡，他引入一系列相互矛盾的目标：古典形式的秩序和大自然中的偶然性、综合手法和模仿手法、永恒因素和瞬间因素等，用塞尚自己的话来说（此话常被误解），他要“按照自然的模式，重复普桑所做的一切”，最好“把印象主义艺术变得象博物馆艺术一样坚实、恒久。”但是，塞尚并不是仅仅重复普桑的艺术，转多地渲染画中的气氛；作为时代的骄子，塞尚所做的恰恰相反。在观察自然的某一细节时，他努力寻求在感觉中改变自然印象，从而“实现”对每题的重构。这种重构既有普桑的超越时间的、“非自然的”完美，又有印象派推崇的自然性与即时性。塞尚在从自然及其感受中抽取秩序的同时，也希望能在自己的艺术中保持自然的有机特性，即生命与成长的感觉。在探索过程中，他以一种前所未有的、有效的方式解决了数千个世纪以来的老问题，即外部现实的三度空间和画布上的二度空产是的局限之间的矛盾。这种新方式还产生了一种令人吃惊的线条和色彩组合，而这两个因素一直被认为是对立的，不仅16世纪普桑和鲁本斯的信徒们这样看，就连19世纪的这发格尔和德拉克洛瓦也持同一态度。塞尚赋予艺术以新的意义，拓宽了表现形式，取得了具有历史意义的突破。在进行专业探索的同时，他还经历了个人思想上的激烈斗争。塞尚是一个充满矛盾的人，他既有保守的普罗旺斯背景，又有波希米亚人放荡不羁的癖性；既爱以过古典教育，又有浪漫的，甚至是猛烈的感情冲动；既茵视权威，又奴隶般地崇拜马奈、莫奈和罗丹。为了使自己执拗的天才响应灵感的召唤，他一生都在痛苦中度过。

塞尚是独生子，在法国南部城市埃克斯昂普罗旺斯长大，母亲是文盲，生性胆小，父亲是个自我奋斗出来的银行家，坚忍刚毅。塞尚儿时的挚友爱米尔·左拉曾对他作过这样的描述：“共和主义者、资本家，对人冷漠，爱嘲讽，老谋深算，很吝啬。”塞尚脾气很倔，他完全不适应于父亲那一行。22岁那年，他争取到一份津贴，到巴黎与左拉会合，以作画为业。虽然他的早期素描已经显示了画裸体模特儿的娴熟古典技巧，但他热切而又矛盾的精神却在油画《草地上的午餐》中得到了最充分的体现（图27）。这幅画的标题令人想起了马奈及其笔下无忧无虑的周末野餐。但两幅画之间都存在着天壤之别。马奈的《草地上的午餐》（图15）虽有色情都很冷淡，表现了精湛的技法；塞尚的画却是充满着赤裸裸的情欲和饱醮激情的笔触，艺术家把自己安排在画的中部，表现为一个被情欲折靡磨的形象，眼睛盯着最左方那位放浪形骸的引诱者。整个画面是粗暴的笔法绘出的黑暗风景，动荡不安，表达了情欲与渴求。用弗洛伊德的观点来看，向上挺立的酒瓶无疑有性的含义，酒瓶上方是一个隐喻的形体，其形状宛如树在水中的倒影，但背景是乌云翻滚的天空。塞尚所作的这些变形使他在很长一个时期内背上了无天赋的野蛮人或心理变态者的恶名。不消说，这幅画在某种程度上是有一定的欠缺，可是其许多对比与反衬的关系因素后来却构成了塞尚艺术的印记。在后来的创作中，形体扭曲成为他独特审美观和表现需求的必然结果。

塞尚几乎与莫奈和雷诺阿同时，但作为艺术家他成熟很晚，远在印象派之后，无论是在形式上还是在心理上，他都与比他年轻许多岁的修拉共属一个时代。塞尚依然从印象派那儿寻求指导，特别是毕沙罗。毕沙罗发现了塞的天赋，在19世纪70年代将塞尚置于他的保护之下，这使得塞尚“没命地工作，努力改变自己的气质，并将其置于冷静的理智驾驭之下。”在塞尚的所谓“印象主义”阶段，他减少了对热情幻想的依赖，而更重视外界引起的视觉印象。在诺曼底南部与毕沙罗相伴的那个阶段，塞尚开始解放自己，学习观察。正如《缢死者之屋》所反映的，他学会了使用不同色调、较明朗的色彩和较淡的颜料。可是，他仍比毕沙罗更喜欢用厚涂法，他笔下的形体也较为坚实。此外，他在家乡养成的细致画风仍然随处可见，他不仅把印象派笔下缤纷闪烁的大气层变为不同的色彩平面，还用相应的线条交织成微妙的网状。这些作品中阴惨的标题同倾斜的角度和板滞的构图一样，表现了冲突，甚至恐怖。毫无疑问，这个世界同印象派艺术淋浴着阳光的明朗和天真的欢乐是不相容的。

在第三届印象派画展上（1877年），塞尚遭到了很惨的境遇，此后，他退避到普罗旺斯，在孤独和寂静中追求自己独立的目标，在那里，他进入了自己的“古典阶段”或“结构阶段”（1878－1887），这一阶段他的画风无疑最接近普桑现存芝加哥的《艾斯达克海湾》（图29）即为此时所绘。我们对这幅画太熟悉了，很难确切指出他在何种程度上可以作为现代艺术的楷模。首先，它表现了艺术家认为是“母题”的东西，即现实世界的一角，但是，这个世界几乎没有人类活动，也没有这种活动对艺术家所产生的侵扰，这就使得艺术家及其观众可以从中得到一种具有艺术价值的纯粹视觉体验。

采用这类母题，塞尚能够“陶冶自己的性情”，通过自己的内在逻辑（感受）却发现自然的逻辑并将它出达出来，不是从宗教、历史、文学或当代社会借来的比喻表达，而是用绘画语言本身，即塞尚所说的“造型的对应物与色彩”表达。于是：艺术家去“读”，去探索和研究“圆柱体、球体和圆锥体”的主题。塞尚提出的这些形体是指他感到的各种形状、形式、和可视世界具体物象的抽象结构。通过上述方式把现实景物肢解之后，塞尚接下来便努力在“模仿自然的结构”中“实现”自己的感觉，这种“模仿自然的结构”就会画本身。塞尚在“实现”自己的感觉时借助了刚刚掌握的印象派色彩，但在其中揉进了以前倾注在情欲狂想中的力量和戏剧性。塞尚还采用了毕沙罗的色彩点缀笔触，并将色点扩大为对照鲜明的或互补的大色块。印象派画家总是把坚实的形体溶于流动透明的大气层，塞尚却把枯黄的土地、湛蓝的海水与青紫色的山脉和天空紧紧连在一起，使之在结构上如同积木中的各部分一样稳定，他还把这些景物有力地推到画的边缘；它们不是在油画空间内形成柔和的曲线，相反，每一色区－－大地、海水、山脉和天空都象飘带一样飞出了画布。一方面，塞尚尽力调调画面上二度空间所形成的物质现实；另一方面，他感到有必要保持画布同三度的自然空间及其坚实的形体之间的和谐。

这种做法意味着放松或者废驰传统透视幻党技巧（其主要特征是聚合的透视线和逐渐模糊的细节），以免画面有可能 被这些技巧“损害”，将画面弄得象一扇透明的玻璃室，从而能够开拓“色彩和造型对应物”的可触物质性和表现可能性。

我们在《艾斯达克海湾》中可以看到，塞尚采用平面出现前景中房屋的立体感（平面本身通过色彩的深浅和强度区分），用重叠结构表现房屋在画面中的位置深度，但其深度感由于从屋顶到屋顶或从山墙到屋脊的边续线条而减弱了。此外，他画的侧面就象从正面或背面看上去得到的印象，十分平板，接近长方形的画布。

除了上述形体和线条之外，塞尚还进一步使用了色彩和“结构笔触”来反映他从各个有利角度观察到的母题形象，在二度空间限制之内表现母题的层次，并使整个画面具有现实世界中的密度、质感和深度。结果，不仅前景的房屋是用由色彩区分的平面来构筑，没有用描述性的轮廓线；而且这种色彩的塑性手法还贯穿各种大小块面。前景中陆地上的景色用了暖调子的桔**，而中部的海水则用冷调子的蓝色，因此，层次非常分明；同时，枯**很薄，而蓝色则很厚，又与这两种色彩表现深度的性能相反。山和天空明暗对照不明显，所用蓝色强度不大，很淡，使人感到它们是在遥远的地方。可是，蓝色因掺进了**不显得很冷，因而它本身显示不出山和天空是在中景的海水之后。

另外，塞尚的笔触（每一笔都表现了特定的感受）既起到了在空间构筑形体的作用，又起到了把形体与表面紧密相连的作用，这些笔触总是平板而散乱，象石板一样，正好与色彩的多样性形成平衡。塞尚无视自然本身的质感，而用笔触赋予整个表面以颜料的真实感。这就便形式倾向于某种程度的率真，平面自然相交，如画在左下侧屋顶最高部分，一道有力的笔触同时表现了屋顶的斜面，脊线和较远的背景。前景就是以这种方式“流入”背景，背景中的色块抽象地表现了地貌，好象是近景中较大的物体的缩影。

颜料的平面感把辉耀万物的地中海日光变成了无源的“内部”光线，完全根据艺术家表现形体的需要投射阴影，从而也起到了统一画面的作用。塞尚这种固定的光源倾向于把所有物体的细节提示出来，不分远近，正如陡峭的乌瞰使地面前倾并接近画的平面，每一细节都是通过独立的色彩点涂表现的，每一色点既是自然的又是感受的一部分，同时也起到了结构的作用，而全部笔触合起来就创造了一个色彩斑谰、森罗万象的世界，这个世界最终又被艺术家卓异的洞察力和创造性智慧统一起来。

塞尚失去了文艺复兴焦点透视画法及其所表现的非凡的自信，也失去了文艺复兴艺术享有的那种盲目崇拜，他只能按步就班地把景物一件件组合起来。然而，这种方式却符合我们在现实生活中的视觉感受规律。他作品扣统一感及其宏伟的、建筑般的设计并非来自某种既定的机械程式，而是来自他对作品的和庇感之追求。艺术家正是凭借它，并依据自己对母题的领悟和画面和谐感的需要，对作品听各部分进行了分析。塞尚通过把艺术建立在个人感觉之个找到了一种方法，而不是程式。这样，彩色形体构成的精细网络使得每一幅画都成了英雄壮举的记录，记录着艺术家奋力从偶然而混乱的自然现象中博取秩序的经历。即使无足轻重或具有显著情性的母题也会因为运用这呈方法而放出异彩，画家强悍的精神和富有创造力的头脑使每一笔都充满活力，母题也因此而升华。塞尚的作品与文艺复兴绘画不同，观众不可能一下子从中获得全部启迪，它们展示自己的涵的方式与音乐相近，有时间上的延续性，不过仍与空间保持着联联系。

对塞尚来说，静物是比风景更理想的母题，因为画静物时他不必从现实世界中发掘几何形体，只要选择描绘就行了，《带苹果篮子的静物》（图30）即是如此。可是由于塞尚孜孜不倦地追求音乐般的流动关系，这幅画仍然蕴藏着他特有的旺盛生命力。为了达到一种不符合透视的效果，他把横向上果面（或橱面）画成倾斜的，从而使背景更接近前景，使椭圆形的碗口变宽，或者说“成为方形”，仿佛观众突然从上方俯视得到的印象。虽然桌面和背景中的物体是从俯视角度所绘，但前景中的苹果却是与视平线平衡。这种通过变换角度造成“平面空间”效果的做法也同样体现在色彩的使用上。例如，用并置或重叠颜料构成的各个平面把苹果表现为密集而紧凑的形体，同时，间断的轮廓线使体积相互“通过”或“输入”，使它们呈扁平状。为了进一步强高 画面造型结构的整体感，塞尚借助扭曲的线条使酒瓶的轮廓膨胀起来，似乎“同情地”向苹果蓝靠近，从而创造了一种综合形式连贯，同桌面后边间断的线条相平衡，这条边线在不同水平上自左向右延伸。塞尚用敏锐扣感觉把自然进行分解，打破了它固有的平衡，然后以不符合理性的方式将母题重新组合为更高级的绘画逻辑，他称 之为“非现实的东西”，实际上是“根据自然组合的结构”。因此，最终完成的作品虽然充满张力，却显得宁静而稳定，我们从中可台体验到一切伟大的古典作品共有的节律和坚实感。

表现人的形象对塞尚来说是一大难题，这不仅因为他在社交场合总是非常窘迫，而且因为他“根据自然重新组合”的方式及其对形体的扭典比较适用于没有语言、没有生命的风景和静物。尽管如此，塞尚在整个艺术活动中仍然画了一些肖像和自画像，并因此消除了很大一部分紧张心理，创造了一批杰作。在这些作品中中，他通常把人物画得如同雕像一般，安排在静物背景之中，这种手法在《昂布罗瓦斯·沃拉尔肖像》中表现得特别明显（图31）。这位年轻的画商曾不畏风险地为先锋派艺术家摇旗呐喊，他的精神无疑激励了塞尚，从而使他以罕见的勇气表达了自己的感受。这幅肖像中的人物形象被大大简化了，非常接近基本的几何图形，这些图形又统一于包罗万象的画面之中。把这件作品同毕加索1909年所作的《沃拉尔肖像》（图233）相比，就会看出它实际上具有立体派原型特征。例如，在两幅画中，都可以隐约看到有一条垂线自人物的头部上方的窗框经衬衫和背心的前面延伸到左腿，这条垂线把三种不同的空间深度融为一体，即绘画表面。与此同时，表现窗台的横线与此线相交，形成一个十字，对画面起到支撑作用，赋予画面以以稳定感，两条线的间断及其形成的斜角则使构图具有与真人同等的活力。

塞尚艺术活动的最后阶段从19世纪80年代末开始，到1906年他去世为止。在进入这一阶段的时候，塞尚的生活和工作依然远离巴黎的艺术世界，一位批评家据此写道：“塞尚看来是个怪人；虽然他活着，人们谈起他时却好象他已经死了。”塞尚远没有死，这位年事已高的艺术家在后期解放了的艺术中已经完全掌握了自己的方法，他创作了一幅接一幅的油车，其绚丽的色彩和奇异的力量令人想他青年时代作品中激情洋溢的浪漫派精神（也许不在会联系到那些作品中狂暴的比喻和处理手法）。在《圣·维克多瓦尔山》中（图32），塞尚到了一个他偏爱的母题，实际上这一母题他已画过无数次，但这一次艺术家似乎获得了绝对自由，进入了一种狂喜的、感表色彩浓重的心境，同时又没失去任何控制，正如塞尚本人所说：“色彩最丰富之际就是形式最完满之时”。在这件作品中，整个画布都澎湃着由深沉强烈的色彩构成的鲜壳的大条块。虽然这些条块肯浮动的、增透明的感觉，它们仍然沿斜线或对角线组成了稳固的画面结构。鉴于这类交响乐般的作品，我们完全可以把塞尚与16世纪的威尼斯大师们相提并论。正如塞尚老年时所作的灿烂澄清的水彩画一样（图33），《圣·维克多瓦尔山》显示了作者炉火炖青的技巧。塞尚作画时常常从不同角度对细部进行观察，决不放弃对母题的每一细小感受，这种情况有时持续很长时间，因此，倘若他不是切实注意“整幅画面同时进展”，就很有可能失去对画面的控制。这意味着他从第一得寸进尺都必须有另一笔来平衡，就这样不断调整，不断打破和重建平衡，什到他达到最终的均衡，把尖锐的对立变为“激动人心的宁静”因此，无论画到什么程度，塞尚没有一幅画给人以未完成的感受，甚至图33水彩画中纯粹作为衬托的白色也是极为敏感的安排，它同其他色彩一样，对实现整体效果起着重要作用。

塞尚终生都希望能根据自然恢复普桑的画法，最后他成功地画了一幅裸体女子，其背景的组织象昔日大师一样具有夸张的严谨，但在描绘上却完全彩了崭新的直接观察自然的方法，这种方法是他多年来从印象派画家们那里学到的。《伟大的浴者》作者1898－1905年间（图84），这是塞尚最宏伟的油画，仅其规模一项就足以说明这一母题对他的重要性。他放弃在自己的风景画中安排真实裸体的做法，而是把人体化的为绷紧结构，抽去性感因素，然后把自己感情的力量注入整个概念。这样，画中的裸体便被纳入以苍穹为顶的自然大厦，作者水彩般细腻的笔触则自始至终把天空、植物和人体统一于青色绿色的柔雾之中，而人体与大地的淡玫瑰红和赭色又从这柔物中隐现出来。就对称和抑制而言。《伟大的浴者》在塞尚的作品中不仅是最壮观的，也是色彩分解最完美的。在这件作品中，浪漫与古典，色彩与线条既达成了最精当的平衡，又得到了圆满的表达。

19世纪80年代和90年代初期，塞尚的画只能在唐居易老爹的店里见到，正是在这个店里，这位大师的艺术影响了一整代后印象主义画家，其中最著名的有保罗·高更、莫里斯·德尼、皮埃尔·勃纳尔和艾杜阿尔·维亚尔，他们认为塞尚的努力旨在达到一种角征性的自然与思想，观察到的现实和理想生活之间的融合。较年长的印象派画家们很难从塞尚令人惊异的作品中看到有价值的东西，很不满足，于是劝说沃拉尔为他们限隐居的同伴举行一次个人画展。这次画展在1895年举办，保守的评论家认为塞尚变得比以前任何时候更加难以捉摸，另一部分人却宣称他是“……真理的伟大诉说者……将来会进入卢浮尔宫。”到了1906年，一场又一场现代派运动都公然承认是从塞尚的艺术发展鸸 为，塞尚本人在某种程度上也借助了这一说法，因为他坚持认为自己的艺术不过是“一种新艺术的原始形态”，不过是一种他自己未能充分理解的“前景”。对马蒂斯来说，被塞尚解放出来的色彩就是一切，而对毕加索和勃拉克来说，这一要素却无足轻重，他们从塞尚得到的启迪是从自然中寻找潜在的几何图形，他们后来从中发展出统一画面的新形。塞尚对物体面与空间面的致处理、极浅的景深和强化的结构、同一画面的多角度和平面的转移（系借助间断的轮廓线在各个独立的物体间形成），截为1908年勃拉克和毕加索创立立体主义开辟了道路。因此，虽然塞尚总是忠实于可认知的主题，但他的作品仍然构成了一个过渡，即从旧的19世纪感知艺术过渡到纯粹的、几何抽象或非写实的20世纪艺术。

莫奈，雷诺阿，毕沙罗，西斯莱，德加，塞尚的作品要表达的思想？

问题一：什么是油画，油画的特点 油顶起源于欧洲，约15世纪时由荷兰人发明，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或板上作画。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使画产生立体感。是西方绘画史中的主体绘画方式。

问题二：油画的主要特点有哪些方面 按创作方法类别可分为:写实风景油画,印象风景油画,抽象风景油画、山水风景油画。按时间分为：古典风景油画,当代油画、现代风景油画按地区分成：,欧美风景油画,俄罗斯风景油画,荷兰风景油画,地中海风景油画等。　　创作题材包括：托马斯风景油画,海景风景油画，森林风景油画,高山流水风景油画,田园风光风景油画,.桂林山水风景油画,白桦树林风景油画等各地的名胜古迹画家也都进行过描绘创作。　　风景油画简介：油画风景也被称作“风景油画”，是油画的一个主要门类，用油画材料对自然景物进行描绘。文艺复兴以后的16世纪，风景油画作为独立的绘画体裁出现于欧洲画坛，并得到极大发展。

问题三：简述油画的艺术特点 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。

问题四：油画有什么特点？ 油画」一词，顾名思义，它是以油份为媒剂，将颜料与油份混合，而后转置于基底材料上的绘画表现方式，当油份挥发或硬化后，颜料便附着于基底材料上，而达到意念传达的目的。 油画自发明以来，一直是绘画表现形式的主流 ，深受世界各阶层人上的喜爱。时至今日，其魅力不但没有减退，反而有愈演愈盛的趋势。各国画家莫不以油画作为主要的表现形式，收藏家也莫不以油画作为购藏的重点，油画具有超乎其他画类的优点，这些优点大多基于油画所用的媒剂－油份，发展而来。油画所用的油剂是一种黏稠而不易干化的物质，这种物质使油画在绘制过程及完成后会产生一些异于其他画类的特色，兹分述如下:　(1)油画是包容性最强的画材:油画颜料不但能 涂在各种基底材料上。也能混合其他物质（如纸、 砂、木片……等等）作画。甚至颜料本身经由不同程 度的稀释后，所呈现的效果也不一样。在技法方面，可采用厚涂、渲染、泼溅、塑造等不同的表现方式，充分传达出作者心中的意念。　(2)油画是最容易控制的彩色画材:由于油画不易变干，也没有到处流动的现象，画者在作画时可以慢慢进行，以达成预期的效果。此外。油画颜料的遮盖力很强，即使画错了也可以轻易地涂掉重画。　(3)油画提供一种宏伟、厚实的欣赏品味:油画由于颜料厚实且不易干，适合大篇幅及多层次的书面表现方式。　(4)油画提供一个最有价值的投资:油画本身除了具有多样性的风貌之外。它所用的颜料及基底材料部相当坚固而持久，适宜收藏。 由于油画具有如此迷人的特色，即使它所需的材料较繁多。空间较广大，仍然吸引更多画友投身其中，以油画作为主要的表现形式。 据说油画颜料在以前相当昂贵，因为都是天然的，画家买回去的都是粉末，由他们自己调制成颜料。一般过程是这样，他们把颜料粉放在一块大理石上，手上拿一块扁圆的磨石，加一点点的油，把油与颜料粉混合均匀，然后再加一点，再磨，直到颜料到达他们想要的黏稠程度，才能开始作画。 有一位古画研究者说，现下的画家画出的东西远远不能和古代的比，因为绘画很注重用色，而以前的画家更明白自己手中颜料的特性，不想现下的那些画家，去店里买了现成的颜料就画，那一份心思，是已经失却了的。

问题五：油画的主要特点 刚好在复习B级。顺便帮帮你吧T T 油画： 油画是西方绘画中的主要画种之一。它是用油调和油质颜料在特制的布、木板、厚纸和墙壁上作画。 油画一般重形似、重再现、重塑性,常运用焦点透视以面塑性，油画颜料具有较强的遮盖力，色彩丰富，能充分的表现物体色彩变化，极富有真实感。 中国画： 中国画是我国传统的造型艺术之一。它使用毛笔、墨、中国画颜料在特定的宣纸、皮纸、绢等材料上作画。 中国画大致可分为人物、山水、花鸟等科，有工笔、写意、兼工带笔等技法。 中国画在造型上主要运用线条和墨色的变化，以钩、点、染、浓、淡、干、湿、虚、实、疏、密等表现手法来描绘对象，并与诗、书、印章巧妙结合。

问题六：油画的种类有哪些？ 一般意义上的油画分为三类：人物画、风景画和静物画。

（1）人物画是把生活中具体的人作为表现对象，揭示具体人物的性格特征和社会生活风貌。欧洲的宗教题材作品都是以人物为描绘对象。圣母、基督等形象都来源于生活中的人物形象。15世纪，油性颜料的兴起，使画家能够更准确，更生动地表现人物皮肤和服饰的特质与光线和环境气氛的细微差别。贝里尼、达?芬奇、拉斐尔、提香等绘画大师的人物画作品，其真实感如见其人。17世纪的人物画，其形象更为自然、逼真、富有魅力。18世纪人物画技法更为娴熟。19世纪到20世纪，人物画的风格出现多样化。

人物画又可分为肖像画、风俗画、历史画和军事画。

①肖像画包括头像、胸像、半身像、单人像、双人像和群体像等。就性质而言，肖像画又分为纪念性人物肖像、盛装人物肖像、生活人物肖像、自画像等。自画像是众多画家惯用的题材。荷兰肖像画巨匠伦勃朗一生以肖像画作为自己艺术活动的主要目标，并且作了大约七十余幅自画像。

③风俗画是以表现社会生活、风土人情为题材的绘画作品。风俗画多取材于现实生活，最容易引起大众的共鸣。如法国米勒的《拾穗》、《晚钟》等。

③历史画主要表现人类社会发展中有意义的事件，其中包括神话传说、历史故事以及现代生活中有意义的事件。如董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》。

④军事画是以表现战争为主题的作品。如西班牙画家委拉斯开兹的《布列达之降》。

（2）风景画作为一种独立体裁是17世纪荷兰画家始创的。在此之前，景物的描写多以人物画的背景出现。油画风景的发展大体经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征性风景等几个阶段。法国画家柯罗、库尔贝，俄国画家列维坦均是优秀的风景画家。

（3）静物画多取材于日常用具、花卉、水果、食品以及猎获物等。画家以物写情，通过对静物的描绘反映生活气息和时代特点。最早可以归入静物画范畴的绘画出现于罗马的庞贝时期，而作为独立画种始于17世纪的荷兰画派。艺术史上，对静画的发展产生过重大影响的画家有：卡拉瓦乔、柯尔内斯、夏尔丹、马奈、塞尚等。

问题七：油画分为几个派系和几种风格，详细点 油画派系的四大主义介绍:四大主义的油画流派介绍:世界油画的流派依据发展时间顺序大致是这样的：15世纪：油画发源――16世纪：文艺中兴壮盛时期――17世纪：巴洛克派――17至19世纪：古典、学院主义――18世纪：洛克克派――19世纪：浪漫主义、现实主义、印象主义、后印象主义、象征主义――20世纪：表现主义、野兽派、立体主义、未来主义、表现主义、抽象表现主义、达达主义、超写实主义 ――21世纪的中国：乱象横生。其中，笔者以为，古典主义、巴洛克艺术、印象主义、表现主义是对当今画坛影响最大的四大主义。

古典主义：

精华：典雅、庄严、理性、严谨甚至完美。 弱点：色彩单调，在画室内闭门造车，轻视情感、贬低色彩与笔触的表现，打压印象主义。

古典主义是从17世纪至19世纪流行于欧洲各国的一种文化思潮和美术倾向，它发端于对古希腊、罗马古典作品艺术风格的怀旧与模仿之风。

古典主义作为一种艺术思潮，它的美学原则是用古代的艺术理想与规范来表现现实的道德观念，以典型的历史事件表现当代的思惟主题，也就是借古喻今。古典主义绘画以此精神为内涵，提倡典雅崇高的题材，庄严单纯的形式，夸大理性而轻视情感，夸大素描与严谨的外表，留意形式的完美，贬低色彩与笔触的表现，追求构图的均衡与完整，努力使作品产生一种古代的静穆而严重的美。在技巧上，古典主义绘画夸大精确的素描技术和柔妙的明暗色调，并注重使形象造型呈现出雕塑般的简练和概括，追求一种宏大的构图方式和庄严的的风格、气焰。

古典主义在法国闻名画家大卫和安格尔的领导下达到顶峰。大卫的代表作有《马拉之死》，安格尔的代表作有《泉》等。

大卫古典主义作品《马拉之死》安格尔古典主义作品《泉》

巴洛克艺术：精华：色彩明快，夸大光影，追求不规则形式，起伏的线条以及强烈热闹的情感表现。弱点：巴洛克艺术涉及绘画、建筑、音乐、文学、服装、家具等等，是是一种伟大的艺术形式，暂无弱点可击。

巴洛克（Baroque)一词原指不规则的，怪异的珍珠，产生于16世纪下半期，盛行于17世纪。巴洛克在当时具有贬义，当时人们以为它的华丽、夸耀的风格是对文艺中兴风格的贬低，古典主义者以为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。

巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯开兹、英国的凡?戴克等。他们的画作人体动势生动大胆勇敢，色彩明快，夸大光影变化，比文艺中兴时代画家还要更夸大人辞意识。

鲁本斯的宗教画人体姿势动作激烈，色彩光鲜；伦勃朗的画作犹如在舞台上，人物面部处于高光部位，与附近的暗影有强烈的对比；委拉斯开兹的“宫女”，背景中在窗外射入光线下工作的织女，曾经对后期浪漫主义画派画家产生很大的启示。

鲁本斯巴洛克艺术作品《三 美神》伦勃朗巴洛克艺术作品《自画像》

印象主义：精华：一切色彩皆产生于光，走出画室写生，掌握色彩的冷暖变化和相互作用，是光与色的不凡成就。弱点：讲究科学，当下依然兴旺，弱点是形体比较零乱、琐碎。

印象派是19世纪60―90年代在法国兴起的画派。其代表人物有莫奈、马奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱、莫里索、巴齐约等。印象主义画家反对当时占正统地位的古典、学院主义，他们继续了法国现实主义前辈库尔贝“让艺术面向当代糊口”的思惟，使自己的创作进一步挣脱了对历史、神话、宗教等题材的依靠。同时受现代科学，尤其是光学的启发，以为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色。因为光是瞬息万变的，他们以为只有捕获瞬间光......>>

问题八：油画有哪些派系，每个派系有什么特点，如何区分不同派系的油画 印象派

油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走出画室，奔向大自然的怀抱。由于他们的作品追求的是光线和色彩的变化，色调明亮灿烂，造型松散，不求严谨的笔法，所以被称之为“印象派”。印象派的代表画家较多，有莫奈（1840―1926年）、马奈（1832―1883年）、毕沙罗（1830―1903年）、雷诺阿（1841―1919年）、德加（1834―1917年）、修拉（1859―1891年）等人。莫奈的代表作《日出》（又名《日出?印象》）成为宣告印象派诞生的标志。画面中，一轮冉冉上升的朝阳喷薄而出，水天共一色，都被暖色的云霞和淡淡的晨雾浸染得轻盈和神秘，近处的水倒映出似乎透明的橙黄、淡紫、淡蓝象是神奇的魔术师在编织光与影的色彩篇章。近处的两、三叶轻舟，远处的吊车、林立的烟囱、厂房依稀可见。长短不一、富有活力的笔触生动活泼地描绘了海边小城阿尔及尔港口富有朦胧诗意的早晨。

由于对官方沙龙的 *** ，印象派画家从1863年起举行了落选画展，共举行了八次，这八次画展使得人们对新艺术、新画风的惊讶、嘲讽逐渐走向对真正艺术的接受、欣赏和喜爱。莫奈的《鲁昂大教堂》、《柳树下的女人》、马奈的《阿善特拉的桥》、毕沙罗的《休息的农妇》、德加的《芭蕾 *** 》等等画作都是其中的优秀作品。莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下，还创作了他的最大的一组油画《睡莲》。

印象派的影响是巨大的，一代又一代的画家甩掉了学院派沉重的“酱油色调”，奔向大自然的怀抱，描绘阳光与色彩的永恒魅力。19世纪下半叶至20世纪上半叶，俄国出现的三位优秀画家也曾受到印象派的影响，对印象派的作品进行了深入的研究和学习、吸取，他们在日后也对中国的美术界产生了较大的影响，这三位就是现实主义的绘画大师列宾（1844―1930年）、风景画家列维坦（1860―1900年）和列宾的学生谢洛夫（1865―1909年）。

伊里亚?列宾有着深厚的绘画底子和高超的艺术天赋，他的很多作品都以现实主义手法深刻地刻画了众多的人物形象，在他的笔下，拉船的纤夫、坚强的革命者、残暴的沙皇都栩栩如生、有血有肉地再现在观众面前。列宾的优秀作品有《伏尔加河上的纤夫》、《拒绝忏悔》以及众多的写实肖像。

谢洛夫擅长表现阳光和空气下的室内景色，作有《少女和桃》、《阳光下的少女》等。

列维坦活了不到40岁，却创作了大量的优秀风景油画，他性格忧郁，创作出来的风景作品却色调明朗，犹如优美的旋律，画家的作品饱含了对生命的无限热爱之情和对祖国广袤土地的热情讴歌。《墓地上空》被视为他的力作。

（伏尔加河上的纤夫）

后印象派

印象派对光与色的潜心研究，以及不管贫病疾苦仍然追求健康、光明和欢乐的精神深深影响了很多画家，如凡高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯等伟大画家在早期都曾经深受影响。凡高、塞尚、高更便是在印象派影响下的产生的后印象派的三位先驱。

荷兰画家凡?高（1853―1890年）一生坎坷，大部分时间都在穷困潦倒的状态中度过，但是一切都无法阻挡这位天才画家对光明和美好的追求和憧憬，在他的很多作品中，都把稻田、向日葵甚至星空都描绘成红色的，橙**的，画家手中的笔象是急促运动的波浪，总是满怀 *** 地描着阳光下灿烂的景致。凡?高一生都处于一种狂热的创作冲动之中，所以在他自成一派的作品中，我们会很容易被他充满 *** 的、甚至有些痉挛的狂热......>>

问题九：成熟的(创新)油画作品有哪些特点?表现在哪些方面? 立意清楚，主题明确，令人印象深刻。没有模仿的痕迹，有自己独特视角。画技娴熟，对明暗、色彩、色调处理得当。

问题十：当代油画的特点是什么? 当代中国油叮已打破传统、单一的油画写实样式风格。同时，更注意扬弃一个时期（指文革和文革以前）单纯追随中国政治说教目的的一统创作倾向。转而向多元、个性、自由、学术性发展。这个也只是较为整体的概括,有很多的特点我们却不可能没一个都了解,只要在整体的 概念上在分散的零碎的局部里探索理解,更深层次地表现突破和升华..个人能力有限只给你这个答案.抱歉..

西方油画家艺术品要表达的思想：

西斯莱，法国画家。1839年10月30日生于巴黎，1899年1月29日卒于巴黎近郊。主要画风景画，曾多次参加印象主义绘画展览。早期代表作《木料场》、《枫丹白露河边》、《圣马丁运河》等表明他对色彩感觉特别敏锐，笔触轻快而有变化，特别善于运用微妙的色彩 关系，表现具有诗意 的自然景色。后期因受新印象主义影响，作画多采用点彩技法，作品有重在表现物象实体感的倾向，但缺乏内在诗意。作品还有《鲁弗申的雪》("Snow at Louveciennes", 见插图)、《马尔港的洪水》、《洪水泛滥中的小舟》等。

皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir，1841年2月25日—1919年12月3日），是出生在法国巴黎利摩日一个穷裁缝的家里的一个经典印象派画家。少年时的雷诺阿便被送到瓷器厂去学习手艺。但画瓷器和画屏风这项工作使他产生了对绘画的兴趣。而后出于对绘画的兴趣，雷诺阿便到美术学校学习绘画，同时又在格莱尔的画室里补习素描。在那里，他结识了克劳德·莫奈（Claude Monet,1840-1926）、巴齐依和阿尔弗莱德·西斯莱（Alfred Sisley,1839-1899），从此便走上印象主义的道路。

爱德加.德加（Edgar Degas）是印象派画家集团里的一名中心性人物，但他与印象派其他成员之间的交往和艺术上的共同点却很少。出生于富裕且爱好艺术家庭的德加没有经历过莫奈、雷诺阿等人年轻时代尝受过的经济困苦，他对印象派典型主题的野外风景也几乎没有什么兴趣。代之以对自然风景的描绘，德加的绘画主题是范围极其广泛的室内情景，特别是芭蕾的场面、洗衣女的劳动形象和浴女等。野外的主题德加所喜欢的是赛马。德加在绘画初期便有视力上的问题，在他晚年的时候事实上已经失明，但他以不屈的精神继续工作，并在雕刻上倾注了极大的热情，因为雕刻可以凭借手的触摸来弥补视力上的衰弱。晚年的德加在悲愁中过着隐遁的生活，但此时的德加已作为19世纪近代美术的一位巨匠确立起了坚实的地位。

塞尚的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。

莫奈的创作目的主要是探索表现大自然的方法，记录下瞬间的感觉印象和他所看到的充满生命力和运动的东西。曾长期探索光色与空气的表现效果；常在不同的时间和光线下，对同一对象连续作多幅描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感受。不注重对象的明晰的立体的形状。

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