时尚水彩插画源文件-插画有哪些风格

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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有哪些关于手绘、插画类网站推荐？

1.Instagram(手机应用)

强大的应用,但需要**,国外

手绘板

绘大神的聚集地。

2.Behance

(

3.站酷

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4.花瓣网

(

5.behance

喜欢多样性和现代感的朋友可以到这里来,这里的插画偏向于平面类型。

6.涂鸦王国

涂鸦王国是国内精英插画师

社交网站

,涂鸦王国以原创插画为主要核心内容,作品风格多样,涉及使用行业广泛。

7.蓝铅笔

汇聚世界各地各行业的设计兴趣爱好者以及艺术院校的学生,插画爱好者的必看网站。

8.微博

可以搜索很多插画界的大V,寻找灵感

9.网易云课堂

上面有很多零基础的免费或者付费教程,非常适合零基础的小白。

10.优视觉的阿翔老师

强烈推荐,我自己也是报名参加了阿翔老师的课程,课程非常的棒,老师讲的非常仔细,适合零基础的学员学习。老师的公众号上也有很多免费的教程,再次安利一下!!

11.插画家园

这个网站主要是插画作品的分享与展示,喜欢插画的不容错过。特别推荐上面的一些

水彩画

作品。

插画有哪些风格

一般可分为:日韩风,欧美风,中式古风,Q版插画,扁平化风格,诙谐幽默风格,写实主义。

商业插画风格:

1.扁平风格,特点:简约,轻快,整洁,绘制简单,

2.渐变风格,特点:色彩亮丽,画面简洁3.MBE风格,特点:圆润,可爱,呆萌,简洁,4.矢量插画,特点:线条感,色彩碰撞鲜艳,

5.2.5D风格插画风格,特点:立体,空间感,创意,

6.涂鸦白描风格,特点:线性插画,抽象,想象力,

7..森系风格,特点:水彩透叠,唯美,小清新,淡雅,

8.治愈系风格,特点:画风柔和,温暖,氛围感强,

9.水彩风格,10.绘本风格,

11.暗黑风格,特点:博击现实,暗色调,变形扭曲。

插画对比强-比较国际范的插画风格有哪些

不同类型、风格的插画作品，其实都需要有其相对应的美术基本功，比如：

—写实类作品最需要的是对造型、光影的描写塑造，以及对人体和场景的把握和理解；

—海报、封面设计类作品最需要对画面构成的把握、颜色的搭配的熟练运用；

—看似简单的儿童插画及绘本（如几米），除了需要对颜色搭配、画面构成有所把握外，对人体、场景也要有一定的研究，否则很难设计出夸张可爱又不失合理的人物来。这两年比较热门的绘本作者－高木直子，也都是美术专科出身，经过了多年美术训练的。

虽然每个风格对美术基础的要求都各有侧重，但是就像绘本类作品一样，掌握综合全面的美术知识是非常必要的——写实类的作品如果对画面构成没有研究，那么出来的作品就没有重点、甚至没有气势。所以，如果没有对美术基础的扎实训练，不能掌握全面的美术知识，要创造出属于自己的成熟稳定的风格，是很难的。

以擦为例，如今的他可以有属于自己的固定风格的同时，又可以根据题材、要求不同而创作其他的风格，就是因为他掌握了扎实、全面的美术基本功。

画风独特辨识度极高的画师你知道多少？谁的用色大胆又惊艳？

画风独特辨识度极高的画师我知道的并不多，在我看来梵高的用色大胆又惊艳。

画师高超的画技能够将不一样的事物表现的活灵活现，在人们面前展现出不一样的姿态。现在有很多专攻艺术类的学生，他们的画技也拥有着强烈的个人风格。这种风格也代表他们在以后的演艺或者艺术生涯中到底拥有多高的造诣，艺术也是有天才的，很多天才艺术家从小都被重点培养，在做画以及创作的过程中，会渐渐显露出自己的天赋，这种天赋是其它追求艺术的人没有办法抵达的境界。那些会苦苦追求艺术的人，如果没有天分的话，就算自己如何努力追求艺术也依旧一事无成。甚至有可能走上不好的道路，让自己的一生为之负责，所以我们在追求艺术的时候也需要量力而行，要根据自己的能力是否跟艺术相匹配来进行选择和判断。

在我熟知的画家之中，我觉得梵高的画技是非常吸引我的，他用色大胆创作出眩晕的画面让人能够沉浸其中。而且通过了解他的生活背景以及他的工作经历，让很多人都明白他创作的画其实是他内心活动的一种表现，更是对生活的一种希望和挣扎。在梵高活着的时候并没有人知道画作的存在，反而在他死后，他的画作在人群之间慢慢流传开来。这也算是一种讽刺，也是一种无奈。他最著名的一部画画作品就是向日葵，我们在看到这副画画作品的时候，第一感觉就是非常阳光以及对生活充满希望。向日葵本身就是向阳而生，追随着太阳的脚步坚定不移的往前走。很多人都羡慕向日葵能够不忘初心，跟随着自己心中的太阳。这可能也是梵高内心的想法，他在当时那个混乱的年代，依旧想要保持自己的初心与这个社会斗争，想要在自己最青春的年华创造出属于自己的自由。

每个人的画风都是有所不同的，大家可以选择自己喜欢的。

插画和原画哪个就业前景好？哪个适合女生学习？有没有比较好的学校或

第一_寤驮母鼍鸵登熬昂茫

在2010年以前相对来说，插画比原画的就业要好，自从2010年，智能手机兴起，互联网移动端游戏兴起以后，游戏行业得到了极大的发展，相应的原画产业也有了很好的提升，导致市场需求对这一块的人才需求度是非常的高的，从就业和薪水层面来讲，原画已经超越了插画。如果学的话，大家可以优先考虑学习原画这一块。

第二原画和插画哪个难？

原画和插画从难度的角度来说，不分伯仲，基本上难度差不多，虽然原画画起来相对来说比较随意，但是现在随着游戏产业对精美度的要求越来越高了，原画师需要做的图更精美了，如果做的不好，会让后期做模型的小伙伴比较纠结的，从这个层面来说，原画的难度要比插画高一点，但是原画的薪资可是很高的，容易是留给笨蛋的，困难是留给强者的。

第三：仅仅了解原画和插画是没意义的，会，才是硬道理。

其实无论原画和插画在就业前景上或者学习的难度上有什么区别，这重要，也不重要，因为仅仅停留在一个了解的层面是没什么意义和价值的，真正有用的是能够从事这两个行业中的一个，真正的提升自己的能力，而不是仅仅是一个旁观者，这个世界上有前途的行业很多，我们如果只是一个看客，也只能是一个看客。

如果大家想提升自己的原画和插画能力，可以去听我师傅每天晚上在网上直播的原画插画课程，还有相关的软件和教程，不需要大家什么经济支出，每天都有，只有跟高手学习，我们自己才能成为高手，想学的可以到他的原画板绘插画学习裙：位于开头的一组数字是：239，处于中间地带的一组数字是：869，排在最后尾部的一组数字是：377.把以上三组数字，按照先后顺序排列起来即可。仅仅从文字层面去理解其实是没什么感觉的，可以先看看高手是怎么玩原画和插画的，他们是如何创作作品的，他们又是怎么样思考的，又如何把美表现的淋漓尽致的，而这一切都是需要在体验中获得，纸上得来终觉浅，绝知此事要躬行。

第四_寤驮惺裁囱那鹉兀

近几年随着计算机的发展，越来越多的工作通过计算机来完成，动漫专业发展的速度也越来越快，近几年从事原画和插画工作的人也越来越多，虽然从事这方面的人越来越多，但是仍然很多人搞不清原画和插画的区别。那么到底原画和插画有哪些区别呢？

（1）设计内容不同。

游戏原画师需要根据策划的文案，设计出整部游戏的美术方案，，为后期的游戏美术（模型、特效等）制作提供标准和依据。而插画则主要是处理游戏人物设定及游戏内置的美术场景设计。

（2）组成不

同。

游戏原画包括概念类原画设计和制作类原画设计两种，概念类原画设计主要包括风格、气氛、主要角色和场景的设定等等。制作类原画设计则更为具体，包括游戏中所有道具、角色、怪物、场景以及游戏界面等内容的设计。而游戏插画包括游戏宣传插画、游戏人物设定、场景设定三种。

（3）应用不同。

游戏原画是为游戏研发服务的，要保持游戏整体的统一性，保证模型师及其他美术环节的制作。

插画，我们熟知的一种形式就是在文字中间穿插着的画。如今的插画在商业上有着更多的运用，如影视海报、图书配图、广告、漫画等。它的画面更加完整且细致。很多人在一开始接触绘画的时候都会留意这样漂亮的。

原画，是为了便于动画游戏工业化生产而独立出来的重要工作。以游戏行业为例，原画主要是为了给3d建模师进行建造。简单来说，原画师是偏向设计的，人物的服装、配件一定哟要清晰，这样才能使团队的工作进行得更加顺利。

在所从事的工作内容和工作的稳定性也有很大的区别。原画师的工作比较固定，如果从属于某个公司，就会一直有比较稳定的收入。而插画，通常是以约稿的形式，根据画幅和难以程度来付费。

所以个人认为，原画师更为稳定一些，但是也要看所在公司承接的项目是否多而插画师更为自由一些，工作性质更为灵活弹性。

游戏原画和插画最大的区别，就是游戏原画强调设计感，插画强调美感。游戏原画的工作是给游戏项目绘制角色或场景概念图，概念图不是用来宣传的，而是用来给建模人员参考用的；而插画主要是进行美宣，也就是对外宣传，我们一般见的游戏宣传海报之类的，就是插画师画的。一个对内，一个对外。所以游戏原画对细节的要求并不高，你只要把角色设计出来，设计得有特色，就可以。插画则是往漂亮、吸引人的方向去画。

因为需要较强的设计能力，所以游戏原画师要对各种文化元素都有一定的了解，对常见的如中国风、日韩风、欧美风的元素了如指掌，信手拈来，这样设计出来的角色才是有特色的。插画师则是要求对色彩和构图的表现力很高，画出的插画要让看过的人留下深刻的印象。

在绘画基础上，插画和游戏原画是基本共通的。插画和游戏原画都是美术绘画的一种，所以在美术基础上，也是基本一样的，无论是插画还是游戏原画都要掌握素描基础、配色、构图、光影等等，也就相当于是一棵树上长出来的两条树枝。所以，绘画基础是必须掌握的。

总之，游戏原画和插画都是绘画的一种，他们针对不同的商业化需求，丰富了绘画行业的种类，让绘画行业得到了更大的扩展。

第五：学习游戏原画的小伙伴，应该如何求职，要点要记住。

1.把握住校招的机会。

一些游戏公司每年都会留出一些岗位给应届生，政府对此有相应补贴、贷款优惠或者政策扶持啥的，也有培养新人补充血液的考虑。因此校招时HR对作品的要求远远低于社招，如果错过了校招那么再想进入比较好的游戏公司很可能就得从小公司慢慢积累经验继续奋斗

2.分清游戏原画和游戏插画的区别。

原画的工作在游戏生产流程中主要是提供设计方案，是将项目最初的文案创意绘制成具体的形象，这个工作的核心就是设计，画功倒在其次。我所见的大量原画出身的前辈在网络上多以插画示人，是因为插画更能炫技吸粉，也能让画师领略到创作的愉悦感，但原画一定程度上可以说不能算作创作，至少无法放飞自我想怎么画就怎么画，翻来覆去也仅仅是在三视图上下功夫，甚至很多项目为了风格统一所有的设计都是围绕内部素材库拼贴。

找原画的工作就针对原画工作需求去针对训练，保证绘画基本功和设计基本功都没有偏科；插画也就是美宣的工作偏重表现力，对基本功的要求会高无数倍，另外现在大多数游戏公司已经不愿意花钱专门养一个美宣，这部分工作大多由流向自由职业的散户在做，少数的岗位竞争激烈，而且多半是原画工作经验丰富的人过度过来，新人直接和这帮人竞争毫无胜算。

3.留意时下流行的游戏风格，针对该风格去练习。

很多游戏公司都有自己成功的项目案例，那么后续项目会充分参考这款游戏的经验，大多有一些风格的继承，例如莉莉丝《刀塔传奇》之后的《剑与家园》，包括其他的研发和代理游戏都是类似的Q版小人。我的经验是，准备简历时先看看手游排行榜前50，好好分析一下那些游戏最热门，看它们的世界观设定，图形的设计，配色的体系等等，然后针对这类型的游戏风格去练习。练习方法可以先玩玩这些游戏，然后在世界观里插入一个你自己想像的角色，设定刚好性别、年龄、性格、服饰装备，攻击方式等等，模拟真实的项目设定，然后完成这个设计。这样你就有一个最接近真实项目的作品，攒5-10个，放在简历里也就显得十分专业，看上去与有经验的原画师无益，这时候HR才会留机会给你。

4.保证持续的学习做好长期战斗的准备。

绘画学习是一个需要大量训练和积累的过程，就算是入了行竞争同样激烈，绘画基础可以通过网络上大量前辈的分享总结来学习，保证有足够大的训练量必然会有进步，但审美和设计能力却是依靠一些专注和方法的灵活应用，

比较国际范的插画风格有哪些1、日韩风，特点：日本最典型的的就是“赛璐璐”风格，画风唯美，人物体型纤细，男女变化不大。但同时二者又略有区别，例如日本风格更加休闲与生活化，而韩国风格更倾向于华丽和浪漫，与写实风格基本相似。2、欧美风，特点：欧美风插画以写实居多，强调真是的纹理和质感，刻画细腻。喜欢将表情夸张化，让角色看起来更生动，更有活力。3、中式古风，特点：与上述两种美术风格的插画相比，中式风格原画也有着自身的鲜明特点，内敛含蓄却充满张力。尽管中国风原画也或多或少地受到欧美、日韩原画的影响，但深厚的古典艺术、高雅和神秘依旧是其特色。